Me he propuesto hacer una crónica lo menos pesada posible sobre la visita a la expo de libros de fotografía del año de PHE13 en Alcalá de Henares. Y lo voy a intentar para evitar que salgáis corriendo al primer vistazo, que me da que el tema de los libros de fotografía no os interesa demasiado. Con los referentes expuestos en la muestra oficial de Photoespaña, no es de extrañar, pero algo interesante siempre se puede sacar. Para hacerlo más llevadero, me propongo no hablar de catálogos de fotografía (o intentarlo, al menos), con eso ya nos quitamos de encima más de la mitad de la exposición, y esos “más de 100 volúmenes seleccionados por su calidad por un comité de expertos” ya serán unos cuántos menos.

Sinceramente creo que un catálogo, por muy interesante que sean sus fotos, no deja de ser una fórmula fácil para resolver la cuestión de cómo mostrar una serie de imágenes, porque, por ejemplo, posibilita que las imágenes no tengan mucho que ver entre sí, salvo un mismo tema o autor/a, y eso está más visto que el TBO. Que no digo que no haya catálogos interesantes, pero hablemos de propuestas arriesgadas, novedosas o peculiares, que no tenemos todo el día.

Entremos en materia hablando primero de los libros premiados por el Festival, o en su defecto, por el jurado, entre los que no hay ningún fotógrafo, fotógrafa o editor/a, por destacar algo. Sobre el primer premio al mejor libro internacional, en fin, un libro grande, de salón, con un gran acabado técnico desde la portada simulando la textura de una tela, a una buena impresión de imágenes en blanco y negro de retratos de gente, o perdón, “celebrities que usan la chaqueta de una manera personal –a veces clásica, a veces irreverente, pero siempre Chanel–”, un libro que supongo muy entretenido para seguidores del programa Corazón Corazón, o la revista HOLA!, pero que personalmente no me interesa en absoluto. Los retratos en sí no tienen demasiado interés, salvo por el hecho de ver al famoseo internacional posando con una chaqueta, si es que esto puede aportar algo al mundo fotográfico internacional. Si el festival PHE13 aspira a tener cierta repercusión con este concurso, quizás deberían mirarse un poco más el criterio a la hora de dar el premio, porque dudo que este libro esté en cualquier otra lista de libros del año, pero vamos, que siempre puede la crítica internacional dejarme en ridículo a mí y no al festival destacándolo en sus listas, pero algo me dice que una cosa así no pasará por mucho que Yoko Ono nos salude a cámara bailando con una chistera.

Glamour a raudales, en una propuesta insoportable, en peso y en contenido, en el libro del año categoría internacional. En la categoría “nacional”, capricho del destino, el premio ha ido a parar a un catálogo, y como acabo de decir que no hablaré de catálogos, pues me ahorro el comentario sobre este libro. Sigamos con los premios:

Como mención de honor, el jurado ha otorgado el premio a una reedición de Steidl, Photo Express: Tokyo, de Keizo Kitajima, y pese a guardarse con celo tras una vitrina en la exposición, Ricardo Garrido, gran conocedor de libros japoneses (y sucedáneos), nos comentó durante la visita que él mismo tenía una edición y que la revisión de Steidl merecía la pena por lo fiel y cuidada, respetando hasta las dominantes de esta serie de publicaciones mensuales de Kitajima. Como no pude hojear esta propuesta, me quedo con la opinión de Ricardo, así que nada que objetar. Salvo la molesta vitrina, claro.

Ya en el último apartado, en la categoría de Editorial del año, el jurado premió a Hatje Cantz, de la cual pudimos ver muchos libros interesantes entre los cuales he querido destacar los dos siguientes, por lo dispares en cuanto a formato, pero con el denominador común de una impresión y diseño casi perfectos. En la exposición intuyo que estaba lo mejor de la casa, impresionante técnicamente hablando, pero que, en mi humilde opinión, algo floja en los trabajos contenidos en dichos libros (seguro que me lleváis la contraria, para eso estoy).

Primero me quedo con Wald, de Michael Lang, pero por la impresión de calidad imposible de reproducir en estas imágenes que os traigo, que me dejó fascinado a la par que aburrido con la serie de fotografías de bosques alemanes.

Y de segundo plato, como propuesta destacada de esta editorial, una maravilla titulada Japanese Dream, con fotografías clásicas japonesas coloreadas a mano, todas impresionantes, que demuestran la capacidad técnica de esta editorial, además de su buen gusto.

Fantásticas fotografías, con un diseño que acompaña muy bien sin dejar de ser respetuoso, salvo alguna cosa que ahora os comento más adelante.

El tamaño descomunal del libro obliga a verlo sobre una mesa.

Como única pega, Ricardo Garrido estaba algo indignado con que las fotografías horizontales estuvieran todas a doble y a sangre, obligando a cortar la visión en todas por la mitad, algo que seguro habría sentado muy mal a los fotógrafos originales.Yo ese nivel de cuidado no lo poseo, y entiendo que es un libro y no una exposición, pero entiendo la crítica de Ricardo.

Pasando ya al resto de propuestas no premiadas por el festival, llamaba mucho la atención la presencia de Concresco, de David Galjaard, quien ya recibió el premio al primer libro de fotografía de la Fundación Aperture y París Photo en noviembre del pasado año 2012.

Una pena que su paso por Photoespaña no haya sido tan exitoso, por lo menos nos dio la oportunidad de comprobar las peculiaridades de este gran libro, como los detalles rugosos de la cubierta o las inserciones casi ocultas del interior. Un buen libro pese a contener unas imágenes algo fáciles o sosas. Una prueba de que en el formato libro no siempre hacen falta grandes fotografías.

Otro libro que me gustó ver en la exposición, y que en mi opinión gana con el tiempo, fue Agroperifèrics, de Ignasi López, que ya tengo en casa y del que ya os he hablado en este blog, y cuya cubierta está sufriendo bastante con la muestra, aunque no se aprecie en la fotografía, los rayones son numerosos. Hay que decir que muchos libros se despegaban de los soportes, quizás muy fácilmente, aunque es de agradecer que se puedan hojear en su mayoría (salvo los de la vitrina).

La organización decidió rebautizar a Ignasi como Ignaci.

Otra propuesta que me encantó, por lo atrevida, fue la publicación formada por tres enormes pliegos impresos por ambas caras con fotografías de de Aleix Plademunt, Juan Diego Valera y Roger Guaus, que bajo el nombre de Ca l´Isidret, están haciéndose un hueco en el panorama de la edición internacional, llegando incluso a una próxima co-publicación con la mismísima MACK. En la imagen superior, Juan Cires disfrutando de las posibilidades perfomativas de la propuesta de esta editorial.

Después de pasar por una nutrida selección de catálogos de La Fábrica, fuera de concurso pero ocupando casi la mitad de una de las dos salas de la exposición, la publicación de Ca l´Isidret es toda una alegría para los sentidos.

Un libro totalmente desconocido para mí (como muchos otros de la exposición) pero que me dejó con ganas de más, fue No land called home, de Wolfgang Bellwinkel, un trabajo sobre la globalización con imágenes de los últimos 18 años, así como relatos del autor (que por las prisas y mi pésimo inglés no me detuve a leer).

El libro juega a mezclar conceptos aparentemente muy dispares pero que extrañamente cobran unidad en las páginas de esta publicación. Como pega, quizás, los encartes con textos larguísimos en medio del libro, que distraen demasiado, en mi opinión.

Como punto final a esta crónica, y en respuesta a la llamada del Photobookclub Madrid, quienes convocaron a una visita a esta muestra de libros de fotografía para después valorar y puntuar nuestras propias publicaciones ganadoras de entre todo lo que se puede ver en la exposición, aquí van mis premios. Primero quiero dar una Mención de Honor al libro Este Seu Olhar, de Maíra Soares, pues estar en una (maldita) vitrina junto a un libro del mismísimo Martin Parr, teniendo en cuenta que el libro de Maíra es una autopublicación fruto de un trabajo en una escuela de fotografía, y que además es un libro que tengo y que me encanta, ahí va esta Mención merecidísima para un proyecto de una autora como María, que solo puede crecer y dejarnos boquiabiertos con lo que esté por crear.

Como tercer premio (voy de menos a más), un libro que ya lo está ganando todo, y que, mucho antes de que fuera siquiera publicado, un tal Ricardo Cases nos avisó en su primer taller Fotoziti de lo que estaba por llegar con este trabajo. Afronautas, de Cristina De Middel.

Nótese que el ejemplar de Afronautas compartía expositor con uno de los premiados por el jurado del festival. Si esto no es irónico, no sé qué es. Sobre este libro, solo diré que a mí me encantó allá por junio o julio de 2012 cuando me llegó a casa por correo, después de comprárselo a la propia Cristina por paypal creo recordar que por 25 euros (no guardé el ticket), y que sigue gustándome pese a la gigantesca bola de nieve en que se ha convertido después de un año, escalada absurda de precios incluida.

Mi segundo premio va para Coexistence, de Stephen Gill, cuya mirada contaminada queda muy bien reflejada en este libro, que a más de un visitante despistado le habrá parecido lleno de hongos.

Este trabajo es una investigación sobre el lenguaje fotográfico que aún estamos asimilando, y que quizás llegue al gran público dentro de varias décadas, mientras tanto el público seguirá entretenido con Cartier-Bresson y compañía. Sobre el libro ninguna pega, los detalles de diseño influyen lo justo para acompañar al trabajo, quizas para no quedarse atrás ante las potentes imágenes de virus, hongos, personas y demás restos animales,vegetales y minerales.

Y como primer premio de entre todo lo que vimos en la exposición de lo mejor del año para Photoespaña 2013, me quedo con un libro que no conocía previamente, salvo por una crítica de Joerg Colberg (cómo no), American Dreaming, de Jerry Spagnoli, que tuvimos que hojear varias veces y cuya propuesta visual me golpeó desde la primera página, algo que me temo no le sucedió a mis compañerxs de visita, a quienes no logré convencer de lo magnífico de este libro. Algo que me hace dudar de que pueda lograr con vosotros y vosotras que me leéis, pues sin ver el trabajo completo y en forma de libro es más bien difícil de entender.

Solo como intento diré que el libro puede que hable sobre la guerra de irak y sobre la sociedad estadounidense, sobre la hiper-información convertida en ruido, sobre el orgullo de los EEUU ante el militarismo y el poder global, pero todo pasado por las tripas de Spagnoli y regurgitado en forma de imágenes irracionales, inconscientes, potentes y muy estéticas, aunque con cierto significado narrativo totalmente distinto a como estamos acostumbrados a recibir la información visual.

Y nada más, solo me queda recomendaros seguir la web del Photobookclub Madrid para conocer cómo queda el listado de libros del año después de nuestra visita, y si alguien cercano a la organización del Festival Photoespaña llega algún día a leer esto, por favor, si le fuera posible trasladar tres tímidas propuestas para otros años en relación al premio lo mejor del año en libros de fotografía, a saber:

-Que no nos castiguen con otra excursión a Alcalá de Henares a los pocos frikis de los libros de fotografía, que seguro tiene más tirón una exposición de alguien conocido que una exposición a la que puede que solo acudan verdaderos fans de la materia, y así nunca se va a generar un público numeroso conocedor de los libros de fotografía.

-Que, si puede ser, dejen de bombardearnos con catálogos de fotografías, que no aportan mucho en comparación con libros libros de fotografía, o con el término de moda si quieren, fotolibros.

-Y ya puestos, si pudieran dar cabida en sus jurados a gente con un criterio y conocimiento más específico sobre el libro fotográfico, quizás de esta manera ganemos tanto los espectadores de esta muestra como el propio Festival. Pongan su mirada, sin ir más lejos, en el excelente criterio de las tres personas arriba fotografiadas, quienes organizan el club de amantes del libro fotográfico más activo del planeta (de lejos), el Photobookclub Madrid que tantas alegrías le está dando a este vuestro servidor.

Saludos.

Lo primero de todo, perdón por usar una expresión tópica para comenzar el post, pero quería algo juguetón con la palabra oficio, en cuanto a fotografía se refiere, y gajes tiene acepciones positivas y negativas, las cuáles me parecen más que adecuadas.

Llevo 7 años viviendo de la fotografía. Debería decir malviviendo, pero en realidad vivo muy bien, pese a que gano poco dinero. Quizás porque el dinero no me da la felicidad y la fotografía sí. Pero, lamentablemente, desde hace unos años vengo dándome cuenta de que la fotografía por la que me pagan no me da la felicidad. Podría decir que tampoco me la quita, pero una vez encuentras la forma de disfrutar plenamente de algo, hacerlo de otra manera deja una sensación de pérdida de tiempo un tanto amarga.

Os daré la razón si intervenís para decirme que lo que soy es un listo, que el trabajo nunca da la felicidad, que se trabaja para vivir no para ser feliz, y que si quiero vivir de un acto creativo, que me ponga a la cola, que mucha gente quiere lo mismo y eso no es rentable en esta sociedad, que mejor me ponga a vender motos o lo que surja.

Pues bien, no os quiero llevar la contraria, de hecho, me promociono profesionalmente como un fotógrafo de oficio, de encargo, barato y cumplidor, a su servicio por un puñado de euros. Pero lo cierto es que no me llena, no me motiva. Lo hago en modo automático. Es lo que tienen los oficios, que no suponen un reto demasiado complicado intelectual o emocionalmente hablando, se aprenden con mucha práctica, y una vez aprendidos puedes estar toda la vida haciendo lo mismo, por lo menos mientras lo que sea que produzcas siga siendo útil.

Pero algo pasa cuando le das vueltas a las razones por las que en nuestra sociedad no se dan las circunstancias para que se generen dedicaciones más creativas, llenas de retos e innovación, y todo ello en un mundo artístico o creativo que en el fondo llevamos dentro desde que somos críos. Después de escuchar esta charla, uno entiende un poco mejor. Y viendo lo que sucede en las universidades con las carreras humanistas, que después del Plan Bolonia están siendo condenadas a desaparecer o convertirse en partes activas del sistema productivo capitalista. De hecho, toda la universidad se está convirtiendo en una máquina de generar plusvalías empresariales, primero arruinándolas y después privatizándolas a trocitos. Ya está ocurriendo con la sanidad, así que no nos tiene que sorprender que la educación también venga detrás. La cuestión es si eso nos interesa como sociedad.

Yo lo tengo claro, ahora mismo lo que a mí me llena, lo que me interesa, lo que me pone en marcha y me dan ganas de producir, es una fotografía alejada del oficio, del método fácil de contentar a un cliente sin ninguna cultura visual ni interés alguno en cultivarlo. Podríamos decir que es un poco suicida mi actitud, y más en un contexto de crisis salvaje, yo podría responder con otro discurso sobre las oportunidades de ruptura e innovación que provocan las crisis, pero lo cierto es que no tengo ni la más remota idea de cómo generar un tejido social lo suficientemente interesado en cultivarse visualmente y, a largo plazo, vivir de la fotografía como forma de expresión artística o creativa, más allá de un álbum de fotos de una boda, o de un par de imágenes llamativas en un muro de facebook. Hace unos días, Roberto Herreros nos enviaba por correo a quienes apoyamos en su día económicamente un proyecto que coordina, Fundación Robo, un artículo en el que en los últimos párrafos contaba cómo en Brasil ha sido posible generar un tejido social de estas características, aunque con el vehículo de la música como nexo común.

Infinito, de David Jiménez en la web de Have a Nice Book (pincha en la imagen para verlo en vídeo)

Llevándonos este ejemplo a la fotografía, quizás a David Jiménez, hace más de diez años, nadie le habría aconsejado que hiciera un libro de fotografía no comercial, creativo y arriesgado, pero lo hizo, y después de una década de pasar prácticamente inadvertido, por fin parece que tiene cierto reconocimiento. Yendo más allá de este análisis fácil, pues a David Jiménez este reconocimiento para lo más que le valdrá será para dar algunos talleres de fotografía y para reeditar su libro, lo que me interesa de este ejemplo es que a causa de su libro ha generado otro tipo de beneficio social, lejos de la rentabilidad económica inmediata. Hace unos días, Juan Cires, uno de los tres organizadores del PhotobookClub Madrid, me contaba que gracias a David Jiménez y su libro infinito, y gracias a que le transmitió esa visión de que los libros de fotografía podían ser grandes transmisores de la creatividad artística, Juan empezó a mirar y a comprar libros de fotografía. Esto sucedió hace más de diez años.

Detalle del mapa de los photobookclub mundiales

Pues bien, una década después, Juan Cires no sólo mantiene este interés por los libros de fotografía, además de comprarlos, lo que ya de por sí tiene un evidente beneficio para la gente que, como yo, querría vivir de la fotografía más alejada del puro oficio, sino que además, se ha convertido en otra fuente generadora de interés por los libros de fotografía, no sólo escribiendo sobre el tema en su recomendabilísimo blog, Cuatro Cuerpos, también coordinando, con ayuda de Bonifacio Hinojosa y Ricardo Garrido, el photobookclub más activo de la actualidad a nivel mundial, llevan diecinueve sesiones en algo más de un año, lo que además está provocando (esto es una teoría mía) con su alta actividad y difusión, que en el Estado Español se estén poniendo en marcha casi la mitad de los todos los photobookclub que de manera oficial se están creando en todo el mundo. Por supuesto, también influyen otros muchos factores, como photobookclub de otras ciudades muy activas como Murcia y Barcelona, con su séquito de fotógrafxs, bloggers, editoriales, personas dedicadas a la gestión cultural o a la enseñanza, etc. que también hacen muchísimo por promover la cultura del libro fotográfico (no quiero quitar mérito a nadie, no me apaleéis todavía, es que soy muy fan de los de mi ciudad).

A donde quiero llegar es que de un gesto aparentemente insignificante, como el de la publicación del libro Infinito de David Jiménez, ha germinado (evidentemente, con otros múltiples factores, guardad las antorchas) toda una red de gente interesada en lo mismo, dispuesta a seguir generando más interés, más nodos de red, más actividades, y no sólo a comprar más libros, también a producirlos, y si no, mirad los cuadernillos del primer aniversario del Photobookclub Madrid (perdón por el spam, que ahí salgo yo también).

Y perdonadme si no consigo resumir mis palabras, creo que con estos ejemplos que os pongo queda claro que para innovar y generar algo que no existía y que nos interese y atraiga a (quizás todavía) unas pocas personas, habrá que pensar en ir sembrando y dejando crecer lo que ahora se está planteando, y que puede que no nos aporte ningún beneficio económico directo, o quizás sí, si somos un poco avispados, pero lo cierto es que ahora todo sucede muy rápido en comparación con solo unos años, evidentemente por la hiperconexión que supone internet, por lo que podemos ser incluso optimistas sin miedo a equivocarnos demasiado.

Como conclusión, que ya estaréis hartas de leer, solo decir que no seamos cortoplacistas, que cualquier cosa que aportemos puede ser interesante en un futuro, y que si nos gustaría disfrutar de algo que no existe, como sería una red cultural en torno a la fotografía más cercana al arte que al oficio, lo que deberíamos plantearnos es cómo hacer para que esto se genere, en lugar de quejarnos o dedicándonos a otra cosa menos interesante sin más. Pensad que para actitud cortoplacista y poco interesada en la creatividad y la innovación ya tenemos infinidad de ejemplos institucionales y privados como para tener claro a dónde lleva eso.

En fin, si no os aporta nada, por lo menos dejadme creérmelo a mí en lugar de ponérmelo más gris de lo que ya lo veo todo.

Gracias!

Después de 100 años de la existencia del Blues podemos hablar de una interiorización total y absoluta de sus ritmos y escalas en la cultura occidental, hasta el punto en que unos señores de Úbeda, Jaén, puedan hipnotizarnos con música blues que suena auténtica sin necesidad de provenir del sur de EEUU. La música popular, desprendida del yugo del amo/mecenas que predominó en la música de cámara, en la ópera y en toda música “culta” mantenida por las clases dominantes desde hace siglos, se ha convertido en masiva, en mayoritaria, también en un producto con sus plusvalías y derivas mercantilistas, de acuerdo, pero sobre todo en parte fundamental de la cultura occidental. Podríamos entrar en debates sobre si en otras sociedades fuera del dominio anglosajón ocurre de manera similar, como en Oriente Próximo, África o Asia, pero me voy a quedar en esta primera reflexión a sabiendas de su corto alcance para desviarme completamente de la música y buscar cierta analogía en lo que se supone que mueve este blog, la fotografía.

La popularización de la fotografía, al igual que con la música, no solo es un hecho positivo a largo plazo por su carácter enriquecedor, además nos permite conocernos mejor como sociedad, y me voy a fijar en uno de los formatos de moda a la hora de comunicar fotografías. Cómo no, el libro de fotografía.

De todos los formatos actuales, el que está revelándose como el más eficaz a la hora de transmitir un mensaje fotográfico está siendo el libro, y no es casualidad, por algo llevamos siglos de desarrollo cultural alrededor y sobre este formato. Desde nuestra infancia aprendemos a conocer el mundo y a nosotros mismos a través de libros, y cuanto más pequeños somos más visuales son éstos. No es de extrañar que a edades mucho más maduras nos sintamos totalmente cómodos hojeando libros llenos de imágenes, desde los 3 o 4 años hemos aprendido a leer libros de esta manera. Y esto nos lleva a plantearnos si nuestra generación es la más preparada para dar el salto a otros formatos, como el libro electrónico o la web, pues debemos tener en cuenta que, pese a las modas dominantes actuales sobre soportes digitales o internet, solo llevamos una década, a lo sumo dos, en contacto con estas nuevas formas de comunicación, es más, ni siquiera nos han criado de forma natural con ellas. Seguramente, a las siguientes generaciones les resulte tan cómodo y normal expresarse con dichos formatos, que no tendrán que hacer apenas esfuerzos para entenderlos y dominarlos, pero no es nuestro caso, a nosotros nos cuesta, tenemos que poner mucho de nuestra parte para comprender y manejar sin torpeza el lenguaje propio de estas nuevas tecnologías. Lo cual no quiere decir que por ello debamos abandonarlas y volver con cierta derrota a los libros, por supuesto, nuestras cabecitas son flexibles y adaptables, pero no nos engañemos, dentro de pocos años habrá miles de jóvenes que nos pasarán por encima sin ni siquiera tener que tomarnos como referencia para hacer progresar estos nuevos formatos.

Primera sesión del photobookclub Toledo – Paco Navamuel

Tampoco está de más intentar no quedarnos atrás, no desconectar por completo de esta nueva ola, corremos el riesgo de quedar aislados por nuestro desconocimiento en tan solo unos años, pero es de comprender esta moda cada vez más creciente sobre los libros de fotografía. Hemos intentado dar el salto a lo digital en muchos aspectos de nuestra cultura, y creo que no deja de ser un salto artificial para nuestra generación. Hemos crecido mirando, tocando e incluso oliendo libros, revistas y periódicos, inconscientemente seguimos deseando tener esta experiencia todavía. Y se da el caso de que el mundo de los libros de fotografía, por cuestiones más relacionadas con la industria, aún no se había popularizado, ni en la fabricación ni en la distribución. El abaratamiento de costes, pudiendo imprimir un solo ejemplar por menos de 40 euros desee cualquier rincón del planeta (más gastos de envío, claro), sumado al acceso casi universal a internet (en occidente, por lo menos), lo que convierte cada ordenador conectado a un servidor en una distribuidora en potencia, todo esto unido a una particularidad respecto a otras formas de expresión cultural (como es la música con toda una industria propia, un negocio en recesión y mutando cada día), pues nunca ha habido una forma de negocio extendida y popularizada en torno a los libros de fotografía, aunque sí haya existido cierta industria cultural basada en la fotografía en forma de revistas, como Life o National Geographic, éstas tenían en su favor la ausencia de otras vías de comunicación visual más eficaces y baratas hasta la llegada de internet, pero estas revistas no tenían la peculiaridad de los libros de fotografía más interesantes de la actualidad, eran contenedores más o menos interesantes de fotos, pero estandarizados, y un libro de fotografía, en su variante más interesante, está diseñado y producido en base a sus imágenes contenidas.

Por todo esto, creo que es el mejor momento para los libros de fotografía, para difundirlos, para hablar de ellos, para pensarlos, para criticarlos y para crearlos. Quizás en unas décadas no quede nadie interesado en este formato, pero mientras nuestra generación y las anteriores sigamos por aquí, dudo mucho que las nuevas tecnologías nos proporcionen tanto placer como un libro lleno de imágenes.

Y si no me creéis, mirad lo que está pasando con los PhotobookClub en todo el mundo, por fijarnos en un aspecto nada comercial ni interesado de esta nueva ola.

Este texto no habría tenido lugar sin las largas conversaciones con entusiastas de los libros de fotografía como Ana Zaragoza, Lu  Lantana,  las jornadas organizadas por Colectivo Zunder y Nacho Navas en Matadero Madrid, las tertulias del photobookclub Madrid, las charlas coordinadas por Bonifacio Hinojosa en la Central del MNCARS, por no hablar de mis compañerxs y profesores del curso de libros de fotografía de la escuela BlankPaper, con quienes llevo meses compartiendo clase.

Como apéndice, quizás hable otro día sobre la necesidad de imprimir libros de fotografía. Por un lado puede parecer un gesto de poca responsabilidad ecológica, aunque está por ver qué pasa con el reciclaje y la necesidad energética de todos los dispositivos que utilizamos para conectarnos a internet, y por otro, la enorme obsolescencia de los soportes digitales, que comparados con un libro impreso quedan en muy mal lugar. Dentro de unos años (o quizás ya esté pasando), aquello que no se imprima puede no exista a largo plazo. Otro debate nada fácil es averiguar qué es lo que merece existir a largo plazo.

En una esquina del cuadrilátero con calzón de colorines y montado en un triciclo; William Eggleston junto con su coach Sally Eauclaire. En la otra esquina del cuadrilátero, pisando fuerte, sin entrenador y con un calzón en el que se lee newcolorguide, el aspirante a campeón John MacLean.

Campeón frente a aspirante, cara a cara.

W.Eggleston (egg para los amigos) tuvo una brillante trayectoria como fotógrafo, dio el pelotazo allá por el 1976 con una exposición en el MOMA. Esta exposición provocó una gran controversia entre los críticos que decían que sus fotografías eran perfectas, y los que decían que sus fotografías eran perfectamente banales. Sin embargo todos estaban de acuerdo en la calidad técnica de las fotografías, y no es para menos, las fotografías eran realizadas con una cámara de placas y las copias hechas por contacto de negativo color. Es decir de una increíble calidad y detalle, en las que te podías meter dentro de ellas para habitarlas.

izquierda Eggleston – derecha John MacLean

En EEUU pronto se empezó a hablar del “New Color” como si lo hubiesen inventado ellos y de que Eliot Porter y Ernest Haas eran el “Old Color”, y a este brillante carro de nuevos colores se subieron otras figuras como; Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Mich Epstein, Larry Babis, Adam Bartos, Leen Jenshel, lkenneth McGowan, etc.
Todos estos fotógrafos viene recogidos en el libro de Sally Eauclaire; “new color/new work”.

izquierda Eggleston – derecha John MacLean

Salvando las distancias, estos fotógrafos newcoloristas me recuerdan, en parte, a los pictorialistas de principios del siglo XX, tan preocupados en la búsqueda de las estructuras perfectas.
El libro de William Eggleston’s Guide, parece un paseo por su Memphis natal, haciendo de lo ordinario algo extraordinario, algo que no es capaz de explicar ni el mismísimo John Szarkowsky (director del departamento de fotografía del MOMA) cuando escribió la introducción de este libro. Pero porqué lo llamaron “Guía de William Eggleston”, ¿qué quería decir con eso de “Guía”? , ¿era algo inocente o era intencionado?.

izquierda Eggleston – derecha John MacLean

Hoy en día vemos la intención que ocultaba el título del libro, no era solo una guía de las fotos de W.Eggleston sino que pretendía ser una guía de cómo tienen que ser hechas las fotos a color.
Han pasado 37 años desde la publicación del libro de W.Eggleston. La fotografía ha avanzado exponencialmente, todo el mundo lleva una cámara en el bolsillo y cualquiera puede hacer copias y manipularlas en el ordenador de su casa. Parece que ha llegado el momento de revisar cómo tiene que ser el color en la fotografía actual.

izquierda Eggleston – derecha John MacLean

Llegados a este punto, John MacLean da un puñetazo encima de la mesa y hace saltar los lápices de colores por los aires. Publica la “Nueva Guía del Color” y así llama al libro, algo deliberadamente intencionado, pues este título, lleva implícito que lo que entendíamos como “new color” ha dejado de ser nuevo y que el color en la fotografía de hoy en día es otra cosa.
El título del libro lo dice claro y alto, con letras que ocupan toda la portada. J.MacLean pide la vez en la historia de la fotografía, es un ferrari del new colour 10’ que pide paso al viejo coche de caballos del new color 70’ de Eggleston.
Sirva como metáfora de lo viejo (W.Eggleston) y de lo nuevo (J.MacLean) estas dos fotografías de aquí abajo:

En cuanto a la temática, J.MacLean supera con creces a W.Eggleston, si este era banal, J.MacLean es mucho más banal.
PD: No se si os habréis dado cuenta, pero en lo escrito hasta ahora, aparece “new color” cuando nos referimos al color de los 70’ y “new colour” cuando nos referimos al color de los 10’. Esto se debe a que en EEUU la palabra “color” se dice “COLOR” y en Inglaterra (y resto de países angloparlantes) se dice “COLOUR”, con lo que me surgen algunas dudas; ¿Es esto una colleja de MacLean a los newcolorista del otro lado del atlántico?, ¿quiere con esto marcar una diferencia entre el new color y el new colour?, ¿es intencionado?, ¿tendremos que esperar varios años para saberlo?, ¿Es J.MacLean el típico británico estirado que cuando llega un español a Londres y le pregunta algo, no lo responde porque no se le ha pronunciado el Inglés correctamente?, ¿Es J.MacLean fan de los Monty Phyton?, ¿me estaré rallando?. En fin, mejor dejarse de tanto lio y disparar en B&N.

riki 2.8

Si alguna vez me preguntan si acepto las fotografías manipuladas en fotoperiodismo (no sé de otro ámbito en el que una pregunta así pudiera darse de manera frecuente), creo que mi respuesta más ecuánime podría ser si aceptan la pintura manipulada para informar de cualquier hecho.

“Goya, un gran fotoperiodista, y Picasso, otro grande, pero más loco”

Para empezar habría que definir qué es manipulación. Partiendo de que nuestro cuerpo, nuestro intelecto y nuestras emociones no son en absoluto herramientas apropiadas para percibir de manera objetiva ningún hecho, algo que cualquier persona con mínimos conocimientos científicos podrá corroborar, pretender apropiarse de la objetividad en la observación y plasmación de la realidad a través, no solo de nuestro cuerpo, mente y emociones, sino de un cacharrito ajeno a éstos que también tiene sus propias peculiaridades, como es una cámara fotográfica, es un hecho absurdo y ridículo, por no decir pretencioso e infantil.

Quizás con un poco de conocimiento histórico y teórico, cualquier ser pensante pudiera llegar a conclusiones parecidas a las que expongo, pero seguimos con el problema de la inmensa ineptitud de nuestra especie para llegar a la verdad sin contaminarla con ruidosas emociones o con tóxicos esquemas culturales y racionales. También podríamos intentar exponer nuestra estrecha mente a dudas tan perfectamente válidas como la de intentar definir qué es la verdad e incluso cuestionar si la verdad existe. Pero no me voy a poner tan pedante en un blog de fotografía, que tampoco es el lugar ni yo el sujeto adecuado para ello.

Solo voy a pedir un mínimo de autocrítica entre el gremio fotoperiodístico, solo eso. Y su pudiera ser también un poco de cultura y reflexión sobre el medio, y si aún hay ganas, sobre la mismísima percepción de la realidad del ser humano como especie.

Reconozco que la fotografía ya nació tramposa como herramienta de transmisión del conocimiento. Que unos rayos de luz provenientes de una estrella gigantesca y lejana se reflejaran en cualquier cosa, que de rebote en su accidentado viaje espacial entraran por un pequeño orificio en una caja negra y quemaran con su luminosa energía unos pequeños restos de haluros de plata desperdigados por una superficie viscosa, y que de todo ese proceso casi inimaginable resultara un objeto parecido un espejo en cuanto a sus particularidades respecto de lo observado por la percepción humana de manera directa, en otra época habría dado como resultado religiones de la más diversa índole, pero en el contexto en que sucedió, dio lugar a otro tipo de fanatismo más disimulado, como es el fotoperiodismo, si bien sus creyentes también dieron lugar a todo tipo de mandamientos, oraciones y homilías, que no tuvieron nada que envidiar a ninguna secta, aunque después de casi un siglo de incesante y creciente actividad económica y social, quizás esté llegando a su fin.

Estos, en teoría inofensivos, adoradores de la verdad proveniente de la luz, no sólo sirven con total ceguera intelectual al ser superior que habita en la realidad objetiva, sino que además se consideran a si mismos, todos ellos, atención al desmelene gremio-intelectual, salvadores de la sociedad, pues gracias a su, necesariamente bien pagada, implicación con la necesitada sociedad (de la información), el mundo podrá ser un lugar mejor, pues cuando la luz de la verdad llegue a todos los ojos posibles, la justicia y la paz reinarán para siempre en dicho mundo. Pero no habrá paz, no habrá fin de la injusticia si, por alguna razón, cualquier ser no iluminado y sin carnet de prensa pretenda acercar esa verdad a los demás, pues él nunca sabrá cuál es la verdad, por lo que nunca tendrá un interés verdadero y verdadoso en transmitir la verdad, y por consiguiente, solo perpetuará el maléfico y terrible mecanismo de ocultación de la luz en pos de la injusticia y el malestar general, sobre todo de los fotoperiodistas acreditados que tendrán menos pan que llevarse a la boca, y menos clientes a quienes utilizar como desinteresados y asépticos intermediarios entre la verdad y la sociedad.

Puede que la esperanza en este gremio tan egocéntico y soberbio se encuentre en aquellas personas que lo practican incesantemente sin apenas medios, sin apoyos, sin deseos de fama internacional, solo por la necesidad de hacer algo frente al horror, y hacerlo con una herramienta tan pacífica como una cámara fotográfica (aunque la policía española se empeñe en etiquetarla como arma arrojadiza en los disturbios), quizás estas personas puedan acabar con el sectarismo y, desde su humildad, dar ejemplo y reconocer las carencias del medio fotográfico así como sus virtudes expresivas y su utilidad para documentar, o mejor dicho, interpretar cuanto sucede, para dejar una huella en la historia y que los errores que cometemos y nos cometen no vuelvan a suceder.

Por cierto, las imágenes de este post pertenecen a la Escalinata del fotógrafo Alfonso, a uno de los lados del Viaducto de Segovia, bajo el que duermen varias personas cada noche. Sobre el fotógrafo Alfonso, que no fue solo uno, me parece interesante dejaros con este texto que tiene mucha relación con las imágenes (y algo menos con el post, aunque algo hay…):

“Hemos de entender el nombre de Alfonso como el de una agencia que contaba con una veintena de empleados con funciones concretas (toma de la imagen, positivado, retoque, preparación de pruebas, copia final, tareas administrativas, etc.). Al frente de la agencia se encontraba el gran Alfonso (Alfonso Sánchez García)…

A este propósito cabe añadir que en la Morería nació el fotógrafo y el viaducto fue espacio de sus juegos, quizá por ello quiso mostrarlo a vista de pájaro, imponente camino entre dos mundos. El viaducto fue la primera expresión de la Alianza de las Civilizaciones: cristianos y moros unidos por un reflejo…

Alfonso muestra una perspectiva nueva con el fondo del pozo oscuro al que se lanzaban los pobres de espíritu para partirse la crisma. La escalinata que hoy desciende hasta la calle de Segovia lleva hoy el nombre de Alfonso en homenaje a esta visión apocalíptica. Al pie de la foto El Barbero glosa la ruina de un viaducto que ya no sirve ni para vuelo de suicidas ni para paso de cortejos reales: El viaducto se desvencija. (…) Los suicidas ya no le dan importancia. Lo han substituido por los túneles del “Metro“, donde hallan un final obscuro de topos. Ha dejado de ser el gran balcón sobre la Eternidad.“

Hay una galaxia de migas en mi cocina

Antes de nada, os aviso de que este va a ser un post denso (dentro de mis limitaciones que son muchas), por lo que os recomiendo leerlo con tranquilidad o dejarlo para luego.

Llevo algunas semanas intentando da forma racional a un proyecto fotográfico ya empezado. La metodología que estoy utilizando es radicalmente opuesta a todo lo que he hecho antes, no hay un tema, no hay información evidente que transmitir, solo me dejo llevar por la necesidad de hacer fotos como forma de expresión.

El proyecto empezó allá por septiembre cuando obtuve la imagen de inicio de este post, una galaxia de migas sobre una bandeja de un horno, después de cocinar una pizza. No parece muy profundo a priori, pero desde esa imagen mi concepción de la fotografía está mutando de manera exponencial, unido además al hecho de que he empezado a cursar en BlankPaper “El libro de Fotografía: Edición y Producción”, precisamente con este proyecto como base para mi trabajo. Tengo que agradecer que en la escuela se hayan dejado convencer para trabajar sobre… Perdón, no os lo he contado, el proyecto se llama Supernova, en parte por la inspiración de esta imagen de la galaxia de migas que os comentaba, en parte por cuestiones personales en mi relación con la fotografía y/o con mi pareja. El nombre lo elegí más por su sonoridad que por su significado, aunque casi puedo decir que el nombre me eligió a mí…

Como decía, estoy trabajando en BlankPaper con la base de Supernova, y después de algunas sesiones de edición con Julián Barón, y para ser sinceros empujado por él, he buscado conexiones teóricas o racionales para con este proyecto. Me he dejado llevar, otra vez, por la intuición y ésta me ha llevado a la Teoría de Cuerdas y sus infinitos universos multidimensionales.

Dicho así puede sonar poco relacionado con la fotografía, pero dadme un poco de cuerda que más adelante todo tendrá sentido (y perdón por el juego de palabras!).

A través de una lente estrellada

La Teoría de Cuerdas, contada por un completo ignorante como yo, podría resumirse interesadamente más o menos así (si hay personas expertas en la materia leyendo esto, ruego me perdonen el atrevimiento y los errores): Toda la materia es un estado en vibración, una vibración determinada que consiste en la corporeidad. Lejos de entrar en explicaciones casi rozando las pseudociencias, lo que me interesa de esta teoría es que explica todo cuanto existe en el universo, y en infinitos universos paralelos, mediante la multidimensionalidad, es decir, todo cuanto percibimos tiene “1 dimensión temporal, 3 dimensiones espaciales ordinarias y 6 dimensiones compactificadas e inobservables en la práctica.”

Quedémonos con esta característica multimensional de todo cuanto existe, de todas las partículas, y olvidémonos de la ciencia y la materia para poder aplicarlo a la fotografía, que es de lo que va este blog.

Una fotografía tiene dos dimensiones evidentes, ancho y largo, es un plano estático, luego no habría, en principio ni tercera dimensión espacial ni dimensión temporal, al menos por sí misma. Pero una fotografía es también un elemento interpretado o traducido por una persona (por ejemplo), y dicha persona reconstruye otras múltiples dimensiones bajo el filtro de su propia percepción y dentro de sus propios esquemas y estructuras culturales, emocionales, racionales…

Miedo y violencia en el dentista

Por ello, una fotografía, además de la bidimensionalidad, posee otras dimensiones como resultado de ser un hecho interpretado:

-La tercera dimensión espacial que nuestra mente reconstruye como reflejo de la realidad representada en la imagen, con sus defectos y virtudes tan enriquecedoras para la fotografía.

-El color, que los seres humanos percibimos de manera peculiar, tanto como individuos, pues nadie ve los colores de manera exacta a otra persona, ni siquiera los percibimos igual con un ojo que con el otro, sino también como especie. Es sabido que, por ejemplo, las abejas no perciben colores como los humanos sino con un espectro visual algo desplazado hacia longitudes de onda del espectro ultravioleta, por no hablar de cómo “el ojo humano es capaz, a lo sumo, de distinguir entre 20 y 30 imágenes por segundo, una abeja puede diferenciar más de 300 en el mismo lapso de tiempo.”

-También la dimensión temporal, y aquí podríamos hablar del momento decisivo y de sus detractores, pero no lo haremos, lo que sí está claro es que en una imagen podemos congelar el momento exacto de una acción, o incluso captar una imagen difusa compuesta por todo un movimiento.

-El recorrido visual compositivo dentro de la imagen, la forma en cómo esté compuesta nos hará mover nuestra mirada dentro de la misma de una manera u otra, creando una secuencia dentro de la misma fotografía posterior a la percepción general de la imagen.

Pat multidimensional

Pero aún podríamos hablar de otras dimensiones en la fotografía, muy en relación al sujeto que la percibe, o sea, nosotros:

-La experiencia y la cultura previa al visionado, que añaden capas de conocimiento que pueden conectar con lo fotografiado de múltiples maneras, por poner un ejemplo, el conocimiento personal del sujeto retratado es una nueva dimensión que no está al alcance de quien no conozca a dicho sujeto.

Aquí puede suceder que al fotografiar tengamos más en cuenta la experiencia y la cultura propia, lo que Cristóbal Hara llama la “literatura” de una imagen, lo que es necesario explicar a alguien sin ningún conocimiento previo sobre el contenido de la fotografía, algo que me parece necesario de manera puntual, pero que para una fotografía atemporal no es más que un lastre, el lastre cultural o experiencial, si queremos nombrarlo de alguna manera.

-Otra dimensión podría ser la emocional e instintiva, pues toda nuestra experiencia está condicionada por instintos y emociones, igual que nos puede resultar repulsivo ver un animal en descomposición, nos sucerá lo mismo al verlo fotografiado.

Podríamos profundizar en la manera en que percibimos la fotografía, haciendo uso de técnicas alteradas en cuanto a la toma de la imagen, con distintas lentes, uso de desenfoques, exposiciones múltiples, esto último muy relacionado con el cubismo o el futurismo.

Seguramente existan más dimensiones existentes o por descubrir si solo hablamos de fotografía, por no hablar del soporte, del lugar, del momento, del tiempo dedicado a la percepción de esa imagen, del uso de dicha fotografía dentro de una secuencia junto a otras, etc. Lo cual nos abre todo un campo a explorar dentro de la fotografía, la capacidad de esta disciplina expresiva para desarrollar nuevas dimensiones, más allá del plano físico resultante (o del plano etéreo en el caso de la fotografía digital, otro jardín en el que introducirse alegremente y no salir nunca jamás).

Por ello, os dejo esta reflexión y os iré contando a dónde me lleva Supernova.

Saludos.

“Foto curriculum”

Anoche tuvimos un largo debate intentando acotar los límites del fotolibro aquí, pero entre tanto comentario (llega a 100 el contador) se pierden algunos apuntes que creo merecen la pena, como por ejemplo el que da título a este post.

Además, me sirve como excusa provocadora y aprovechada para escribir sobre el fotolibro que voy a llevar a la próxima tertulia del PhotoBookClub Madrid, a ver si me dan mi chapita de una vez, o me corren a gorrazos cuando enseñe mi postal como fotolibro de viaje.

Cuando anoche hablábamos sobre cuáles serían los posibles límites formales para considerar la existencia de un fotolibro, pusimos ejemplos de libros con muchas páginas y una sola fotografía, como uno de los cuadernillos de A shimmer of possibility, luego un fotolibro no necesariamente tendría que contar con una serie de fotografías.

También hablamos sobre la relación del fotolibro con las películas de cine, de cómo una lata con un rollo de película no es una expresión creativa en sí, solo lo es cuando la película es proyectada. En el caso del fotolibro, la idea, el acto creativo contenido por el medio denominado fotolibro, solo tendría lugar cuando éste fuera leído, luego sería un simple contenedor de una idea.

Entonces, si un fotolibro tiene que tener al menos una imagen o una representación de una imagen, y siempre contendrá una idea asociada a esa imagen, pues un libro con todas sus páginas en blanco dejaría de ser un fotolibro (o no, pero a su vez sería también una novela o un catálogo de muebles en potencia, sería todo y nada a la vez), lo que caracteriza al fotolibro es la transmisión de una idea mediante, al menos, una imagen o representación de una imagen.

Y no necesitamos un lomo ni una encuadernación para hablar de un fotolibro, cada vez hay más ejemplos de libros de fotografía sin encuadernación alguna o impresos en papel de periódico, luego podríamos reducir a la mínima expresión un fotolibro si solo contase con una página y una fotografía, como por ejemplo una postal.

Pues bien, si hablamos de ideas o conceptos, una postal sirve como transmisor de todo esto de manera muy eficaz. Y se diferencia de una fotografía sin más porque tiene dos caras, ambas igual de importantes. Aunque una postal sin texto por detrás no es más que un instrumento en potencia esperando ser llenado o completado con emociones, saludos, recuerdos que trasmitan ideas totalmente personales, prácticamente como si de un libro de artista de tirada limitadísima se tratase.

Luego una postal manuscrita y sellada equivale a un fotolibro lleno de páginas, textos y fotografías queriendo contar una historia, una idea o una emoción, solo que en la postal no necesitamos más que una cara y un envés para contarlo.

¿Y qué mejor que una postal para hablar de viajes? Por todo esto me he decidido a llevar este martes a la tertulia de fotolibros bajo el tema “El viaje” una postal auténtica, enviada desde otro país, manuscrita y sellada, para poner en cuestión si se trata de un fotolibro válido o no.

Además, siempre tendré la opción de llevar otro mucho más fácil de aceptar, o de sugerir otra opción aún más radical.

Os espero mañana martes en la siguiente tertulia de fotolibros del PhotoBookClub Madrid, a las 19h en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, calle de los tres peces número 2.

Mark Steinmetz – South East

El pasado 8 de noviembre tuvo lugar una charla en la Casa Encendida de Madrid por parte de Mark Steinmetz. Por una vez no voy a ser yo quien opine en este blog, le he pedido a la fotógrafa Sol Salama que nos de su opinión sobre esta conferencia, en parte porque hubo quien se quedó sin poder entrar por el límitado aforo de la sala, aunque también por dejar constancia de las conversaciones que suelen suceder tras este tipo de eventos y que se suelen quedar ahí. Os adelanto que suscribo sus palabras completamente y que espero que Sol escriba y opine más a menudo sobre fotografía, aquí, en su tumblr o donde ella estime oportuno. Muchas gracias Sol por tus palabras. Os dejo con ella.

Cuando estás ante un gran fotógrafo, uno de los grandes, comete el error de dar por sentado que este va a ser buen profesor o que va a saber explicarse perfectamente. Y hay algunos que sí, que además de fotógrafos, enseñan fotografía y están acostumbrados a hablar. Pero no es lo común. Ayer lo hablábamos después de la charla de Mark Steinmetz en La Casa Encendida de Madrid: cuando alguien se expresa muy bien de manera visual, raro es que lo haga también verbalmente o por escrito.

Pero bueno, en verdad esto no es exactamente lo que pasó el jueves con Steinmetz. Él sí ha impartido clases, y ni más ni menos que en Harvard y Yale. Así que sí se sabe expresar. Más bien lo que creo que ocurrió es quepara él la charla eran sólo 55 minutos de hablar sobre algo de lo que lleva hablando toda su vida, así que el encuentro con él resultó para muchos algo decepcionante porque no aportó tanto como se esperaba.

Empezó con tres referentes de fotografía que le marcaron al comenzar y a la hora de desarrollar su mirada: Garry Winogrand, Lee Friedlander y Robert Frank.

Garry Winogrand

Su análisis de The Animals de Winogrand fue para mí de las cosas más interesantes. Este fotógrafo, pionero de la fotografía de calle, tiene unas imágenes que destacan por una ironía exagerada, casi caricaturesca. Steinmetz comentó que fue a raíz de esta foto
que se sintió cautivado por su trabajo, porque en ella veía una ambigüedad extrema. Una ambigüedad que en verdad tienen todas las fotos de The Animals: detrás de esas imágenes, que como él dijo son photos like a fable, hay siempre algo escondido, más de un significado, y de hecho no todas son fáciles de captar enseguida.

Lee Friedlander

Sobre Lee Friedlander, Steinmetz se centró en Factory Valleys. Conocido por sus paisajes urbanos y naturales, escaparates y escenas cotidianas callejeras, fue el primero en dar forma a algo que nunca dejó de hacer: introducirse a sí mismo en las fotos mediante las sombras o los reflejos. Factory Valleys fue una especia de punto de inflexión en su obra, pues dejó por un tiempo el ‘paisaje social’ y se introdujo durante los años 1979-1980 en fábricas del este de Ohio y del oeste de Pennsylvania para retratar el declive económico. Steinmetz comentó que le fascinaba en particular por retratos tan naturales como este, en el que el hombre, en pleno escenario laboral, está fumando debajo del casco.

The Americans de Robert Frank no le dio mucho que hablar, a pesar de que aunque conozcamos de sobra el libro, todos sabemos que escuchar a un gran fotógrafo hablar de un libro clave no sólo está de más, sino que nos puede aportar mucho.

Mark Steinmetz – Greater Atlanta

La segunda parte de la charla se centró en el análisis de su trilogía South Central, South East y Greater Atlanta. Ayer introdujeron a Steinmetz como un fotógrafo que “ha conseguido que el sur esté donde tenga que estar”. No sé si entiendo muy bien esta frase, y como él aclaró, “mi madre era francesa, mi padre alemán y yo nací en Nueva York”. Pero desde luego los tres tomos, editados por Nazraeli, sí retratan ese sur de Estados Unidos, rural o urbano, pero sin recursos.

South Central es el primero. Paisajes, retratos y detalles con los que el fotógrafo se cruza en Knoxville (Tennessee) mientras vivía allí dando clase durante 1991-92. Escenas que, según él, dan una sensación de algo “en transición”. Gatos estáticos (Steinmetz confesó tener una obsesión por los gatos), personas que ve desde el coche y a los que detiene para inmortalizar, adolescentes y −muchas− cabinas de teléfono.

Steinmetz es un gran retratista, y fue interesante escucharle hablar sobre su proceso de trabajo: “este tipo de fotografías, en las que no hay multitud como en una ciudad sino que está claro que ellos van a verme con mi gran cámara, exigen que me acerque a los personajes que me interesan y les hable. Siempre lo hago, hablo con ellos pero sin dirigirles mucho. Sólo les digo: mira para aquí o para allá. Trato de que haya siempre mucha espontaneidad”.

Mark Steinmetz – South East

El segundo libro de la trilogía, South East, se sitúa en Athens, una ciudad universitaria de Georgia, en la que por ciertoél creció y creo que sigue viviendo. Retratos de jóvenes con una mirada algo perdida, algunos nocturnos, encima de un coche, o en cafés, en balcones, en paradas de autobuses. Ayer dijo que en este libro cambió un poco su proceso, porque no siempre los retratados eran desconocidos -como hasta ese momento- ya que estaba dando clases y a veces eran amigos de sus alumnos. Sea como sea, son imágenes que
desprenden todas una poesía sutil. Y realizadas siempre con trípode.

Greater Atlanta refleja la locura social americana por el coche: fotos de autopistas, carreteras, coches, gasolineras, etc. Un símbolo del capitalismo reflejado con el mismo tipo de retratos y paisajes poéticos, aunque quizá con escenas más urbanas como la de la comida rápida.

El turno de preguntas del final intentó, en la medida de lo posible, completar un poco todo aquello que queríamos saber y no había contado. Una de las preguntas inevitables fue acerca del blanco y negro. Exactamente, le preguntaron por qué decidió este tipo de fotografía; yo le hubiese preguntado más bien por su experiencia con el color. Esto fue algo que a casi todos nos grabó una imagen de él mucho más purista todavía de la que ya teníamos. Habló sobre cómo el blanco y negro deja las cosas en su esencia (y eso es lo que le interesa), pero sobre todo, dijo, “el color es un problema. Si quiero hacer una foto en la calle y en tercer plano hay una mujer que lleva un jersey rojo me va a estropear la foto. Es verdad que ahora con la fotografía digital se pueden bajar los tonos, pero aún así; en blanco y negro no sucede eso, capto una imagen general y todo se queda en su esqueleto.”

Le preguntaron también por su forma de ganarse la vida hoy en día, y si creía que se vendía mejor su tipo de fotos en estados Unidos que en Europa. “I don’t know. I’m a Black and White photographer. My pictures don’t sell except those of beautiful girls, amazing landscapes or maybe a white horse.” Y sobre qué veía en sus fotos ahora cuando volvía a mirarlas: “Well, hopefully, if your pictures are good, they stay fresh…”

Sol Salama

El apocalipsis tiene cara de gato.

Acaba de pasar el huracán Sandy y, además de las numerosas víctimas y enormes daños causados, parece que también ha tocado los cimientos del fotoperiodismo, por si alguien tenía alguna esperanza en su supervivencia. Hace unos días, en el grupo de PlayBlankPaper teníamos un debate sobre por qué conflictos tan sangrantes como el de Siria, con muertos cada día desde hace más de un año, no tenía una repercusión mediática que produjera una sensibilización entre el público para que, a su vez, éste produjera algún tipo de presión pidiendo que este conflicto se termine.

Lejos de terminar de hablar sobre el tema, hemos decidido ponernos aún más serios y promover otro debate más allá de las redes sociales, algo de lo que os daré información en cuanto tengamos fecha concreta. Mientras tanto, para aportar algo de análisis más allá de un comentario o dos en facebook, voy a darle vueltas a cómo nos han contado otro hecho noticioso, esta vez con todo tipo de despliegues mediáticos, algo que no sucedió, y creo que esto es sintomático, hasta que el huracán Sandy llegó a la costa de EEUU, pese a que antes ya hizo estragos en países tropicales como Cuba o Haití.

Ya en los días previos a la llegada de Sandy a Nueva York, una de las ciudades más pobladas del mundo, en periódicos y televisiones ya se hablaba del tema, pero no se hablaba de los 51 muertos de Haití causados por el paso del huracán, la información más bien se focalizaba en las medidas que se estaban tomando en la ciudad estadounidense para evitar una catástrofe. Durante todo el paso del huracán tuvimos información muy completa, desde conexiones en directo vía satélite en las televisiones, pasando por excepcionales estrategias como la del New York Times o The Wall Street Journal,  quienes decidieron levantar su muro de pago para ofrecer sus artículos de forma abierta, hasta anuncios como el de la revista TIME contando cómo habían cedido su cuenta de instagram a cinco fotógrafos profesionales, contratados para la ocasión, para que la actualizasen durante el paso de Sandy.

Devastación en portada tras el huracán.

Durante todo el paso de Sandy sobre Nueva York las redes sociales tuvieron muchísimo protagonismo, algo que sucede cada vez más cuando se trata de conocer lo que ocurre en medio de una noticia. Aquí en España tenemos muy reciente un suceso cuyos titulares han ido mutando en los grandes medios de comunicación a medida que la versión oficial se dejaba más y más en entredicho desde todo tipo de redes sociales. Esto nos da una idea de cómo están funcionando los medios ahora mismo, su escasa capacidad de contrastar la información en tiempo real, contando sin verificar o poner en cuestión los hechos si éstos vienen de fuentes oficiales.

La verificación de una noticia que antes hubiera costado movilizar a periodistas y recursos de todo tipo, hoy en día prácticamente se puede hacer desde un ordenador conectado a internet, aunque siempre sea necesario contrastar la información que nos llega por redes sociales, como ha ocurrido con multitud de imágenes del huracán Sandy, lo cierto es que los medios de comunicación se permiten recortar hasta la extenuación sus plantillas, dando cada vez más protagonismo a testimonios de redes sociales con total normalidad.

Lógicamente, esta estrategia tiene sus consecuencias. No es de extrañar que la última cobertura de TIME con instagram haya levantado ampollas entre algún profesional de la fotografía, el miedo a que se den como válidas imágenes subidas a una red social tan popular, incluso para ser portada de una revista tan importante como TIME, y que se empiecen a valorar de igual manera las imágenes producidas por aficionados o por profesionales seguramente esté teniendo ya una consecuencia evidente, el abaratamiento de costes. Ya decía Maysun sobre su cobertura en Siria, que los medios solo quieren colaboradores freelance, pues así se ahorran todo tipo de gastos.

Podremos discutir si las imágenes producidas con un móvil y subidas a instagram son de peor calidad o no que las realizadas con una cámara profesional, lo que no se puede discutir es que también son documentos gráficos, que también son publicables, nos gusten o no sus filtros, sus artificios, sus carencias o incluso su popularidad, ya están siendo utilizadas por medios importantes para contar historias de forma gráfica. Incluso el New York Times, que ha movilizado a sus fotógrafos de plantilla durante el huracán Sandy, dando como resultado unas excelentes fotografías, también se han apuntado a esta ola de instagram, publicando una galería con fotos subidas a esta red social por sus propios fotógrafos, quizás por miedo a quedarse atrás en esta moda, aunque ya hicieron algo parecido con coberturas en Agfanistán hace un par de años.

Fotografía de Nina Berman/Noor después del paso de Sandy por NYC

Esta última moda de cubrir noticias con un móvil no me parece más que una nueva forma de distracción, no me importa si una imagen ha sido tomada con un iphone o con una nikon último modelo, la forma en que se está contando una noticia no debería ser más importante que la noticia en sí. Y es esto lo que considero relevante pues conecta con el debate que teníamos en PlayBlanPaper, ¿Acaso estamos tan insensibilizados a las noticias que nos tienen que atraer con la forma en que nos las están contando? Para ello, os invito primero a ver este post de PaperPapers en el que ponen en comparación las portadas que se produjeron tras el huracán Sandy con carteles de películas de catástrofes, todas basadas en la ciudad de Nueva York.

Tras ver estas portadas de películas junto a portadas de periódicos, es difícil no preguntarse si el parecido espectacular es casual o no. Creo que no, y me explico opinando sobre todo esto para terminar el post: La espectacularidad en los medios no me parece tan distinta a la espectacularidad y los fuegos de artificio en las películas. En ambos casos, las imágenes nos saturan de estímulos dejando poco espacio para pensar. Solo hay que imaginar una típica película de acción para entenderlo, por mucha violencia, sangre, explosiones que veamos, solo tenemos puro entretenimiento vacío de crítica y profundidad. Me temo que esto mismo sucede en los medios de comunicación. El espectáculo ha sustituido al análisis, la pirotecnia a la crítica, y dudo que este cambio sea casual. No voy a entrar en análisis tan pesados como el de La sociedad del espectáculo de Guy Debord, que yo solo soy un fotógrafo, pero sí quiero llamar la atención sobre esta deriva de los medios, quizás para invitar a quienes estén documentando lo que sucede en el mundo a que se planteen a qué cometido sirve el hecho de caer en la espectacularidad o el dramatismo, si acaso el uso de una estética llena de artificio no nos acerca a clichés, casi de película, haciendo más efecto en nuestro inconsciente que en nuestra racionalidad, dejándonos desnudos ante cualquier posibilidad de análisis de unos hechos que merecen ser tomados muy a consideración, aunque quizás desde otra perspectiva más elaborada, más reflexiva. Ojalá los grandes medios quisieran participar de este cambio, pero lo dudo, pues no es posible un trabajo en profundidad sin cierta dedicación, y esto no es barato ni mucho menos, además de ser poco comercial y, por tanto, difícil de vender al público.

Por lo pronto, podemos debatir sobre todo esto, poniendo el análisis que los medios no parece que nos vayan a dar por sí solos.

¿Realidad o ficción?

Deprisa y corriendo, os dejo unos cuantos links sin control ni medida, ni contexto ni sentido. ¿Por qué? Porque muchos caducarán en un par de días y no quiero dejarlos pasar y que no os enteréis.

La mayoría son eventos para esta semana en Madrid (si vivís fuera me vais a odiar bastante, lo siento), seguro que muchos os suenan, pero no está de más enumerarlos, ahí, a lo loco. Además coinciden la mayoría en día y hora. Toma ya.

1. Mañana martes, evento de experimentación sonora. No es foto, pero el sonido evoca más imágenes que cualquier programa de televisión, y lo sabéis. Lo recomiendan desde INSONORA, que saben bastante del tema. Por si os interesa: C/ Concepción Jerónima, 22. Madrid. De 20 a 24hs. Entrada 5 € con cerveza incluida.

2. Miércoles a las 20h. Maíra Soares, de quien ya os hablé en esta entrevista, hará una presentación dentro de las Tertulias del PhotobookclubMadrid, nada más y nada menos que en Siete de un Golpe. Hay plazas limitadas y, sorprendentemente, AÚN queda alguna. En este post de Cuatro Cuerpos explican cómo apuntarse. Más datos: miércoles 24 de octubre, a las 20 h. En Siete de un Golpe, C/ Buenavista 8, bajo

3. Miércoles a las 19h30. Desde PlayBlankPaper, un colectivo de fotografía que estamos montando entre varias personas, llevamos todo el mes de Octubre generando actividades gratis total para probar lo que será el colectivo el resto del año. Este miércoles es la última antes de la fiesta de presentación oficial (ahora os cuento más), o sea, presumiblemente sea la última gratis total.  ¿En qué va a consistir? En un visionado colectivo de fotos, llevamos fotos nuestras o de otra gente y las comentamos. Si pueden ser impresas, mejor, si pueden ser de una misma serie, aún mejor. Aquí tenéis el evento en facebook del visionado, aunque también os dejo los datos aquí: Miércoles, 24 de octubre, a las 19h30 en la Escuela BlankPaper de Madrid (Calle Nao, nº4, tercera planta).

4. Jueves a las 19h30. ¿La fiesta de la que os acabo de hablar? Pues es este jueves. Aquí tenéis el evento en facebook y luego os dejo los datos. ¿Qué va a ocurrir en esta fiesta? Pues que os presentaremos el colectivo PlayBlankPaper, del que os vengo contando cosas por redes sociales desde antes de verano, y que por fin sale de cascarón. Lo que más mola de todo esto es que se está sumando gente con muchas ganas de hacer mil cosas, con lo que os recomiendo venir y comprobarlo en vivo y en directo. Además, habrá cosas de picar y de beber by the face, o sea, gratis total. Datos: Jueves, 25 de octubre a las 19h30 en la Escuela BlankPaper de Madrid (Calle Nao, nº4, tercera planta).

5. Jueves a las 20h. Los jueves hay concentración de eventos culturales, como siempre, pero esta semana, además, son todos la repera. Por ejemplo, en La New Gallery, inauguran exposición después de inaugurar la primera tan solo hace dos semanas. Esto de hacer una expo cada dos semanas solo lo había visto en los mejores tiempos de Espacio Menosuno, aunque aquí creo que las razones van más por conseguir un buen dossier de artistas para llegar a tiempo a ferias tipo Arco. En cualquier caso, esta vez traen a dos fotógrafxs que difícilmente veríamos expuestos en Madrid, pues son de Sevilla y Barcelona, pese a que son de lo más puntero en el panorama español. Nada más y nada menos que Miguel Llonch y Camino Laguillo, es decir, mucha calidad. Jueves 25 de octubre, a las 20h en la calle carranza, nº 6, en Madrid.

6. Jueves a las 20h. Por si fuera poco, aquí viene el premio gordo del post y de la semana. Martin Parr, ahí es nada, dará una conferencia en el Matadero, junto a Alejandro Castellote (y otros), con traducción simultánea y encima con entrada gratis total. No cuento nada más, porque no hace falta, es un bombazo, yo también os dejaría plantadxs por esta charla, no hace falta que pongáis excusas. En cualquier caso, si elegís la fiesta de PlayBlankPaper, tendréis un sitio en mi corazón forever and ever. Datos: Jueves, 25 de octubre, en Matadero Madrid, Paseo de la Chopera, nº 14.

Y hasta aquí los eventos. Por supuesto, habrá muchos más, yo solo os cuento estos, que ya es mucho. Por completar, y por compensar a quienes no viváis en Madrid, os comento algunas artículos/blogs/webs, de obligada lectura:

Daido Moriyama y William Klein exponen conjuntamente en La Tate de Londres (apunten, que lo mismo hay excursión de PlayBlankPaper, no lo diré más veces). Empiezan a aparecer artículos más o menos interesantes sobre la expo, aquí hay uno con info de ambos fotógrafos, además de dos vídeos cortitos pero interesantes. Sobre Moriyama, hay una entrevista bastante más extensa en The Telegraph, que aún no he leído (la acabo de ver) pero he visto un par de destacados y estoy deseando echarle el ojo.

Otra entrevista que comentan mucho por la red es esta a Todd Hido. Acaba de sacar libro (o va a sacar, no me ha quedado claro) y siempre aporta algo interesante este tipo. Tampoco la he leído, pero es que este post va de cosas urgentes, ¿Qué esperabais?

Un post que sí he leído y que recomiendo si os interesa el fotoperiodismo, acaba de ser publicado en el nuevo, novísimo, blog de Antonio Heredia. Se ha propuesto hablar de libros de fotopediodismo, lo cual no abunda y menos en castellano. Añadid este blog a favoritos, al reader o a donde sea que guardéis los sitios que seguís, porque es imprescindible desde YA.

Si por alguna extraña e inexplicable razón, AÚN no has visto la nueva web de Antonio Xoubanoba (El grande, el incomparable, sí, Él), no sé a qué estás esperando. Es un locurón, si le conocéis, sabréis a qué me refiero. De las pocas webs con personalidad, junto a la de David Jiménez, que hay en spain y arededores.

Y como puntilla salerosa, como si la web de Xou no fuera bastante, os dejo con la imagen de arriba, la del gran salto estratosférico en dos versiones, la que vimos en directo y la que Alberto Lizaralde nos desveló en sus redes sociales. Cada cual que saque sus conclusiones. Lizaralde está tan al tanto, que nos enseñó la siguiente imagen, sacada directamente del pdf que La Fábrica suele subir de los libros que publica, y que habla del proceso de producción de uno de sus libros, en concreto el de Pierre Gonnord. La imagen es anecdótica, lo terrible es el libro en sí, por lo mal retocado (fotos lavadas, negros que parecen rojos, imágenes pixeladas y con colores propios de una feria… Mejor juzguen ustedes teniéndolo en sus manos). A lo mejor no le viene mal a la gente de la fábrica tener el contacto de un buen retocador, por si necesitan a uno.

Apunte de la producción editorial de un libro de La Fábrica

Nada más, prometo intentar no volver al asalto la próxima vez y traer algo más elaborado.

Saludos.